芭蕾舞的起源是性运动吗

芭蕾舞起源于意大利。早在五百年前文艺复兴时期，意大利的贵族们在宫廷内观赏一种叫做“芭莉”或“芭莱蒂”的华美舞

蹈，即是后来芭蕾舞的雏型。

这种舞蹈传人法国，成为芭蕾舞发展的第一个高峰。法由国

王带头跳舞，并创办不第一所舞蹈学院──皇家芭蕾舞学院，确

立了芭蕾舞蹈动作的基本规范。

随着社会的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐性舞蹈变成有情节

的芭蕾舞步入剧场，演出了带有社会生活内容的舞剧。

十九世纪，浪漫主义思潮亦对芭蕾艺术产生深刻影响。芭蕾

舞从内容到形式都发生了根本性变化。反映民间神话传说、仙女

花神、精灵鬼怪等故事成了芭蕾创作的主要题材。女演员成为主角，服装改成了短裙，脚尖舞成为芭蕾的基本要素。这种足尖站

立的技艺，把舞蹈者的身体向上提升，适合表现轻盈的体态以及

表达追求与渴望的情绪。

十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名著《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了彼得堡。特别是柴科夫斯基的音乐，给舞剧音乐带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响

性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品。

芭蕾舞的起源与性运动无关。芭蕾舞起源于15世纪的意大利，并在法国18世纪时发展成为一种独特的表演艺术形式。其起源与意大利宫廷舞蹈、法国宫廷舞蹈和舞台剧等元素有关。

最早的芭蕾舞形式源自意大利宫廷舞蹈，受到意大利文艺复兴时期文化和艺术的影响。这些舞蹈与宫廷贵族的社交活动相关，追求优雅、优美的动作和舞姿。在18世纪法国，芭蕾舞开始在宫廷和贵族社交场合中流行起来，并逐渐演变为一种专业的舞蹈表演形式。

与性运动不同，芭蕾舞注重舞蹈技巧、身体控制和表达力的培养，而不是强调性刺激和性体验。芭蕾舞要求舞者具备良好的身体素质和灵活性，需要长时间的训练和反复操练，以使舞者能够展现出高难度的舞蹈动作和优雅的舞姿。

芭蕾舞在19世纪时逐渐发展成为一种独立的艺术形式，演员们穿着特制的舞蹈服装，在专业舞台上表演各种故事情节和舞蹈剧目。芭蕾舞强调舞者的技巧、协调性和表达能力，舞剧中的动作和情感可以通过舞者的身体语言和舞台表演来传达给观众。

芭蕾舞的起源与性运动无关，它是一种专业的舞蹈艺术形式，注重舞者的技巧和表达能力，以优雅和优美的动作和舞姿来展示舞者的艺术才华。

芭蕾舞的起源并不是性运动。芭蕾舞的起源可以追溯到15世纪的意大利文艺复兴时期，最早是在贵族宫廷中发展起来的艺术形式。起初，芭蕾舞是专门为贵族娱乐而创作的，被视为一种优雅、优美的舞蹈形式。

在17世纪，芭蕾舞开始在法国发展壮大。当时路易十四非常热衷于芭蕾舞，他成立了皇家芭蕾舞团，并通过严格的训练和规范化的舞蹈技巧，逐渐使芭蕾舞成为一门独立的艺术形式。芭蕾舞的发展逐渐摆脱了贵族的私人娱乐，成为一种专业舞蹈艺术。

芭蕾舞强调舞者的身体控制、灵活性和协调性。它需要舞者通过艰苦的训练来塑造身体，使之具备优美的线条和力量，同时要求舞者具备优秀的舞蹈技术和表演能力。舞者在表演过程中通过优雅的姿势、舞步和肢体语言来表达故事情节和情感。

虽然芭蕾舞在表演中强调身体的美感和形态，但它并不是性运动。芭蕾舞讲究舞者的技巧和表演，是一门严肃的舞蹈艺术，并且有着严格的规范和传统。它注重的是舞者的身体控制和舞蹈技术，而非性行为或性表达。

芭蕾舞的起源是来自贵族宫廷的娱乐活动，经过几个世纪的发展，逐渐成为一门专业的舞蹈艺术。它注重舞者的身体控制、技巧和表演能力，是一种展示美感和艺术表达的舞蹈形式，而不是性运动。

历史起源classic ballet 　　古典芭蕾的历史约有五百年,是沿袭宫廷芭蕾的各种技法与表现方式,虽经过了不断地改变和革新，在19世纪形成的新流派芭蕾舞 　　它给人的基本印象是: 　　1.女舞者穿著有裙子的舞衣。 　　2.一般都采用童话传说或神话等的故事题材为情节。 　　3.音乐多是舞曲甚至名曲,尤其是柴科夫斯基的芭蕾舞剧组曲。 　　4.男舞者很多时辅助女舞者作出漂亮的技巧动作。编辑本段风格特色事实上,古典芭蕾尚有浪漫派与古典派的区分。前者为十七十八世纪的舞剧《吉赛尔》。后者专指十九世纪的舞剧，如《天鹅湖》。两者较明显的差别在于舞者所穿的舞衣之不同,古典派的舞衣为纱质的短裙,称为classical tutu[1],舞鞋质地较软;而浪漫派的舞裙长及膝与踝之间,称为romantic tutu[2],舞鞋为硬式,便于舞者跐立。 　　除此之外,古典芭蕾依动作又可分为快舞与慢舞。快舞孕育于意大利,最大特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈,所有活泼迅速而华丽的舞蹈均属之。慢舞孕育于法国,是法国舞蹈的最大特征,舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿等均称为慢舞,这种舞蹈充满了纤细的美感。 　　在古典芭蕾舞剧中,通常以慢舞来表现男女的情爱场面,如天鹅湖中的第二幕公主与王子的双人慢舞。慢舞基本上是属于女性的舞蹈,而男舞者只是支扶女舞者的陪衬而已,对于女舞者来说,无非是一个呈现其舞艺与优美曲线的大好机会,而此时表现身体的平衡更显得格外重要。 　　如今快舞与慢舞虽以交互使用,但仍可视其强调的程度,来分辨意大利派的华丽与法国的浪漫气质。开放分类：舞蹈，芭蕾舞 芭蕾历史概述芭蕾不是某一天突然出现的,它经历了很长的发展过程。意大利,作为许多伟大舞蹈家的故乡,是这种形式化舞蹈的诞生地。当初贵族们跳舞纯粹出于自娱的目的。很快,这种时髦风尚传到了法国。路易十四酷爱舞蹈,他和他的随从经常在宫延演出精心编排的舞蹈，后来他因身体发胖停止了跳舞。但他爱舞之心却丝毫未减,按照他的命令,宫廷拨出了专门经费培养职业舞蹈家,使舞蹈演出得以继续进行。1661年在法国建立的舞蹈学院是世界上第一所舞蹈学校,芭蕾最初的五个脚位即创立于此。实际上如此之多的芭蕾姿态是在这里创作和命名的,所以世界通用的芭蕾术语一直沿袭使用法语。起初跳舞的都是男子。到1681年,专业演出中开始有妇女参加,担当一些不起眼的角色。可是到了18世纪中叶,女子一度完全统治了舞台,由她们扮演所有的男子角色。虽然当时男舞蹈家在欧洲失去了地盘,但在俄国却仍保持着强大的实力和影响。1738年,法国芭蕾大师让一巴蒂斯特·朗代在彼得堡(今列宁格勒)建立了第一所芭蕾学校。学生都是沙皇宫廷中仆役的孩子,由沙皇家族提供全部费用。这就是后来举世闻名的基洛夫舞蹈学校的前身。舞蹈家掂起脚尖舞蹈的创举发生在1820年左右。从玛丽·塔里奥尼1832年在《仙女》的演出中,第一次穿上白色的长纱裙,站在脚尖上舞蹈起,芭蕾历史揭开了新的一页,伟大的浪漫主义芭蕾时代开始了。芭蕾艺术虽然获得了很大的发展,可是不久在欧洲的大部分地区却出现了衰落现象,唯独丹麦和俄国仍在源源不绝地推出优秀的剧目和卓越的演员。法国人把芭蕾传到了俄国,1909年一个俄国人又把它带回到了法国,他给法国芭蕾注进了它已失去的神秘魅力和勃勃生气。谢尔盖.佳吉列夫率领俄国芭蕾舞团到了巴黎,向世界展示了他的技艺非凡的舞蹈家瓦斯拉夫.尼金斯基。首场演出震撼了巴黎,全欧洲都流传着尼金斯基奇迹般的惊人跳跃。世界最著名的芭蕾明星安娜.巴芙洛娃,当时也是该舞团的成员。在俄国芭蕾舞团的编导福金对芭蕾进行戏剧性改革之前,俄国芭蕾在欧洲尚无声望,跳舞也从未被人看作是正经的职业。大部分舞蹈者都出身于舞蹈世家或贫苦家庭。由于福金的编舞和芭蕾大师恩里科·切凯蒂的教学法,一举改变了芭蕾的面貌南在他们的芭蕾中,俄国的舞蹈家向公众显示了他们是些训练有素、仪态优雅的真正艺术家,与当时充斥舞台的裹着紧身胸衣的矮胖女演员形成了鲜明对比。切凯蒂和福金使舞蹈者肌肉膨胀的腿变得细长而苗条。此后的50年,芭蕾的发展缓慢而平静,出现了一些新的剧团,编排了一些新的节目,很多舞蹈者改用俄国名字以使自己获得本国观众的重视。1961年,一位著名的基洛夫舞蹈家鲁道尔夫·努里耶夫离开了俄国投入了西方世界。他那漂亮得惊人的大跳和充沛的精力,吸引了一大批芭蕾新观众,人们争先恐后地拥到剧场去看他的舞蹈。英国皇家芭蕾舞团最伟大的芭蕾女明星玛戈·芳婷,在她42岁即将告别舞台之际,在与努里耶夫的合作中,找到了她事业的新起点；正当人们认为她事业的年华业已逝去,她却迎来了事业中最光辉的日子。1974年另一个俄国演员米哈伊尔.巴列什尼可夫随基洛夫芭蕾舞团出访加拿大时,离团出走,参加了美国芭蕾舞剧院。今天,芭蕾比以往任何时候都更受人欢迎,人们对芭蕾有增无减的热情,大部分应归功于努里耶夫和巴列什尼可夫。他们鲜明的俄国风格和卓越技巧所具有的魅力,让全世界芭蕾观众大饱了眼福。芭蕾虽然是一种高度规范化的艺术,有300年的共同历史,但你仍能发现每个剧团都各具特色。无论是在演出还是在训练上,艺术的风格与趣味存在着多种的发展与诠释。今天流行的古典芭蕾训练法主要有3种,它们是切凯蒂、英国皇家舞蹈学院和俄国学派。许多位置和练习虽是相同的,但各有细微差别。本书图片所示的练习, 主要基于切凯蒂学派。某些练习可能与你所学过的不同,这是因为你的学校教授的是别的训练法,或你的老师对同一方法有不同的理解与诠释。从演出上看,各国芭蕾的风格与特色也各不相同。俄国芭蕾动作流畅,注意力度；法国的演员强调雅致；英国的风格精致、细密；丹麦演员脚的动作极为高毡, 舞蹈轻盈,常伴有快速的动作；倘若你看到一个演员动作敏捷灵活,富有生气,那他很可能来自于美国。当然,每个编舞者也将在舞蹈中注入自己的风格!俄国帝国芭蕾舞剧院和佳吉列夫的俄国芭蕾舞团时代的作品,构成了古典芭蕾保留剧目的核心,今天世界上几乎所有芭蕾舞团都经常轮换上演这些节目。然而同一剧目却存在不同的版本。不同的学派、风格和编舞者的艺术趣味使演出呈现出一派色彩斑斓的图景 添加评论

芭蕾舞的起源 芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和结构形式、其主要特点是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。 芭蕾舞是用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。 意指： ①一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。 ②舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的.称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。 ③在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。 ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看;演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。 1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。 芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。 18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。 在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。 18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。 20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。 ;

芭蕾的起源和历史 芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。芭蕾在近四百年的长期历史发展过程中，对世界各国影响很大,流传极广，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式了。 芭蕾的历史，最早的起始可追溯自欧洲文洲文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，及法国南部的贝根弟地方的宫廷里。每当结婚喜庆，接见外国元首，或其他大庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾发展史上第一部比较完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特小姐和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵结婚之时，这场芭蕾舞的音乐乐谱迄今仍保存，可算是最古老的芭蕾音乐。 芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）时代而臻极盛，路易十四本人是一位卓绝的舞蹈家，且喜爱芭蕾表演。1661年，路易十四创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院，专门教授舞艺。这所学校现在属于巴黎歌剧院。而沿用至今的手脚的五个位置和一些优美的芭蕾舞姿则是1700年在这里得到固定的。在皇家舞艺大师博尚(Beauchamp)和音乐家贝弗(Cambefort)及吕利(Lully)的大力提倡下，法国芭蕾舞在文化和音乐上的重要性大增。于是芭蕾变成了许多新的宫廷舞的来源;诸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈东舞曲（Rigaudon）等。在这些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），吕利于1653年，开始参加法国宫廷的芭蕾活动，而达到高潮。他当时正与莫利哀（Moliere）合力制作戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧（Comedie Ballet）。1760年发表的《小绅士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是这类舞剧最著名的代表作。吕利又把芭蕾应用于他所作的歌剧中，他的两位后继者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮制。尤其是拉莫的作品，因夹杂有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富风趣。这当然和他的个性与背景有关。英国方面又创造一种特殊的芭蕾，名之曰“假面舞”（Masque）。到了17世纪后半期，维也纳已成为芭蕾演出的中心。然而当时欧洲芭蕾舞正处在“传统”与“革新”的争论，“严格”与“抒情”间的争论，“纯粹舞艺”与“标题舞艺”的争论，以及“芭蕾”与“近代舞”间的争论中。这些观念在20世纪的多多少少还有它的余波，时而争论不休。 从1789年开始，出现了《关不住的女儿》等一批早期（又称前浪漫时期）芭蕾舞剧的代表作。而到了19世纪，先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目，从而促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。这种观念直到20世纪先后诞生出“现代芭蕾”和“当代芭蕾”之后，尤其是舞蹈开始走出“非舞蹈”的误区，竭力回归动作本体，以美籍俄国芭蕾大师乔治?巴兰钦（1904—1983）为首的“纯芭蕾”（即非舞剧式的芭蕾作品，又称“新古典芭蕾”）开始占领主导地位以来，才结束了戏剧芭蕾一统天下的局面。世所公认的一流古典芭蕾舞团有七个：前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科大剧院芭蕾舞团，美国的纽约市芭蕾舞团和美国芭蕾舞剧院，英国的皇家芭蕾舞团，法国巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦皇家芭蕾舞团。当代芭蕾呈现出空前的普及和繁荣，代表性人物和团体为捷克人伊日·基里安（1947— ）和他的荷兰舞蹈剧院以及美国人威廉?福赛特（1949— ）和他的德国法兰克福芭蕾舞团。 芭蕾分类 1、音乐芭蕾 以展现舞者技巧为主要目的，例如圣桑的"垂死的天鹅"。 2、剧情芭蕾 顾名思义为有剧情的芭蕾舞蹈。 3、 浪漫派 又俗称"白色芭蕾"，女舞者以身着白色钟罩型纱裙著称。例如亚当的"吉赛尔"。 4、古典派 女舞者穿著华丽的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出，例如柴可夫斯基之"天鹅湖"。 5、现代派 例如史塔温斯基之"火鸟"。 6、歌剧芭蕾 在歌剧当中穿插的芭蕾舞，例如歌剧"威廉泰尔"当中的芭蕾。 舞鞋 女性芭蕾舞演员的舞鞋鞋尖加硬，使他们能用脚尖跳舞而不会伤害到脚。 肢体语言 所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。 传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如"阿拉贝斯"（arabesque）、"阿提秋"（attitude）和"伊卡特"（ecarte）；腿部技巧：各种"巴特芒"（battements）－－包括腿的伸展、打开以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及"泼德布拉"（port de bras）等。古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些"字母"写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。 脚部的五个基本位置： 第一位 : 两脚跟紧靠在一直线上,脚尖向外180度 第二位 : 两脚跟相距一足的长度,脚部向外扭开,两足在一直线上 第三位 : 两脚跟前后重叠放置,足尖向外张开 第四位 : 两脚前后保持一足的距离,两足趾踵相对成两直线,腿向外转 第五位 : 两脚前后重叠,两足趾踵互触,腿向外转 手部基本位置： 1.瓦卡诺娃派(俄国派) 第一位 : 双手在正面的腹前成自然圆 第二位 : 双手在旁侧伸,在视线范围内,手心向内 第三位 : 双手上举在头上方的视线内 2.却革底派(意大利派) 第一位 : 双手垂下成自然圆,手指轻触在大腿旁的位置 第二位 : 双手在旁侧伸 第三位 : 一手在身体前手心向内,另一手在旁侧伸 第四位 : 一手在身体前与横隔膜保持相同的高度,然后同时上举在头的上方. 古典式芭蕾舞衣 裙子的长度，不超过膝盖，是短式的，不过袖子有无袖的，长袖的，灯笼袖等 1、纯白色古典芭蕾舞衣 例如"天鹅湖"中的白天鹅 2、 全 黑 或 鲜 红 前者例如"天鹅湖"中的黑天鹅 3、灯笼袖配背心 例如"柯贝莉亚"第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚 4、长袖配背心，以亮珠刺绣装饰之 5、上下色彩不同的芭蕾舞衣 浪漫派芭蕾舞衣 它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。 1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣 例如"四人舞""玫瑰花精"。 2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰 例如"吉赛尔"第二幕，"仙女"舞剧 3、村姑式舞衣 背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如"吉赛尔"第一幕，"柯贝莉亚"第一幕，"风流女儿"舞剧。 角色 古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。 如果我们对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成： 1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。 古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲 (coda)双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。 2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。 3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。 舞蹈术语 一、舞蹈形象： 以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。 二、舞蹈表情：根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。 三、舞蹈动作：舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括： 1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作； 2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作； 3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。 四、民间舞（folk dance）：泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约，即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。 五、社交舞（social dance）：亦称舞会舞（ballroom dance）泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。 布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。 法国大革命以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。 舞步简单易学，形式自由，便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐，社交舞因而很快融入了平民阶层的文化生活。 六、芭蕾（ballet）：法语音译。特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式；或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展，以及表现一定的情绪、意境、心理状态和行为的舞蹈表现形式。前者有时译作“舞剧”。ballet一词源于古代拉丁语 ballo，原意为当众跳一定样式的舞蹈，并无剧场演出的含义。芭蕾作为舞台艺术形式，始见于文艺复兴时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。后来由佛罗伦萨公主——美第奇的凯瑟琳将这一舞蹈形式带入了法国宫廷.1581年,法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响，各国宫廷纷纷效仿，并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范，1661年法国国王路易十四在巴黎创建了皇家舞蹈学院之后，又于1669年授权在巴黎成立了歌剧院，从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。芭蕾进入剧场之后，先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。18世纪中叶，“情节舞”及相关的理论日趋完善，芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧，仅仅在幕间表演插舞的地位，发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展，具有严肃社会意义的剧场艺术形式。19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代，在内容与题材、技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段，并积累了一套系统、科学的训练方法。受浪漫主义文化思潮影响，欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现，形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。20世纪以来，俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。而在欧美各国的舞台上，不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头，从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。 七、情节舞：芭蕾术语。原意指结构形势相对稳定，并与剧情发展有直接联系的舞蹈。浪漫主义时期，情节舞的基本结构形势是：“出场”、慢板双人舞、男女独舞和全体演员参加的的终场群舞。《雷蒙达》《天鹅湖》《睡美人》《舞姬》中的大型双人舞和《爱斯梅拉达》中的舞会场面都是比较典型的情节舞。20世纪以来，情节舞作为与娱乐性舞蹈相对立的概念，泛指一切表达人物心理情绪变化、推动剧情发展的舞蹈。 八、舞剧：（dance-drama）以舞蹈为主要表现手段，并综合音乐、美术、戏剧、文学等艺术形式，表现特定的戏剧内容、意境、人物形象、情绪、心理状态和行为，以及推动情节发展的舞台表演艺术。因剧情需要或时代风貌、人物形象不同，舞剧可选用或综合运用古典舞、民间舞、性格舞、现代舞、宫廷舞、或舞会舞等表演形式，并有编排有序的独舞、双人舞、三人舞、群舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞等舞蹈样式组成。中国舞剧历史悠久，发源于奴隶社会的宫廷乐舞。欧洲舞剧与“芭蕾舞剧”在概念上没有明确的界说。 九、群舞：（group dance）舞蹈样式之一。泛指源自民间舞蹈“集体舞”的舞台表演形式，即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一，配合默契，因而具有丰富的艺术表现力。（1）有独立的内容和主题，情节完整的舞蹈作品。中国舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄罗斯《小白桦树》，朝鲜舞蹈《在泉边》《摘苹果的时候》，美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。（2）在大型舞作品当中，有时因画面、构图的需要，或为突出主要人物形象和强化戏剧效果，群舞中常常穿插一些独舞，双人舞、三人舞的段落，如《仙女们》《天鹅湖》等芭蕾场面中的独舞和双人舞。（3）舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞，如中国舞剧《红色娘子军》中的“女战士舞”、“斗笠舞”，俄罗斯芭蕾《天鹅湖》中的天鹅舞等等。

芭蕾舞起源于十四世纪意大利文艺复兴时期，降生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，并开始在法国发展流行并逐渐职业化，十八世纪在法国日臻完美。

到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时代。芭蕾在近五百年的持久历史成长过程中，对世界列国影响很大，传布极广，已成为世界列国都全力成长的一种艺术形式了。芭蕾舞的标志：

用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。

用脚尖跳舞十分困难。那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。

芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的安全系数。即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。